Pond Way

Es hat etwas fernöstlich Meditatives: Aus den Lautsprechern tropfen die Klänge von Brian Enos New Ikebukuro für drei CD-Player; im Hintergrund sieht man im Riesenformat Roy Lichtensteins grob gerasterter Landscape with Boat, davor die Tänzer in bauchfreien, weit geschnittenen und an den Knöcheln eng gebundenen, weißen Gewändern. Merce Cunningham, 1998 verstorbener Grenzgänger unter den Choreographen, hebt in seiner entspannten Choreographie Pond Way (1998 für die Pariser Oper entstanden) das Zeitgefühl auf. Statt einer Entwicklung gibt es wie zufällig auftretende Ereignisse, Gruppierungen und Auflösungen bis hin zum Solo, fließend frei und doch wie von einer geheimnisvollen höheren Ordnung. Es liegt etwas bezwingend Schönes in diesem erstmals von einer anderen als Cunninghams eigener Compagnie getanzten Choreographie, mit der Düsseldorfs Ballettchef Martin Schläpfer zum ersten Mal ein Werk dieses Choreographen in einen seiner Ballettabende an der Rheinoper integriert.

Pond Way steht im Zentrum eines Ballettabends ganz ohne eine eigene Arbeit von Martin Schläpfer, dafür mit gleich vier Uraufführungen von jeweils etwa 20 Minuten Dauer (auch Pon Way hat in etwa diese Länge). Cunninghams meisterhaft lässige Arbeit bildet die Achse, um die sich die anderen Werke gruppieren, und es gehört zu den Rätseln dieses faszinierenden Abends, dass diese fünf Arbeiten keineswegs nebeneinander stehen, sondern auf merkwürdige Weise aufeinander bezogen scheinen.

„We were right here!!"

Den Anfang macht Martin Chaix, seit 2009 Tänzer des Ballett am Rhein und bereits seit 2006 auch als Choreograph tätig. Die Sätze „We are right here! At the right time!" fand er, von einem Unbekannten geschrieben, in einem Düsseldorfer Probenraum der Compagnie. Die Flüchtigkeit des Augenblicks ist das Thema der in aphoristisch kurze Szenen gegliederten Choreographie geworden, die unversehens bei Saallicht beginnt und in Dunkelheit endet. Die Bühne ist mit schwarzen Folien ausgekleidet (Bühnenbild: Felix Aarts), über der Bühne schwebt eine Skulptur aus transparenter Folie, deren Größe im Kontrast zu ihrer Leichtigkeit und Flüchtigkeit steht. Auch die Kostüme (Catherine Voeffrey) greifen diese Elemente auf: Die sehr knappen Trikots sind von einem ebenfalls schwebend leichten, glänzenden Stoff umhüllt. Die Gruppe aus acht Tänzerinnen und vier Tänzern fällt immer wieder wie ein Vogelschwarm auseinander und kommt neu zusammen. Es gibt keine Soli, keine hervorgehobenen „Nummern" - We were right here!! ist durchgängig ein Ensemblestück, bei dem sich die Individuen zwar gelegentlich aus der Gruppe lösen, aber auch dorthin zurück kehren. Zu der weitgehend vorherrschenden Leichtigkeit will die ziemlich pathetische Musik (der erste Satz aus Schnittkes Konzert für Chor, leider in sehr mäßiger Tonqualität vom Band eingespielt) nicht recht passen. An manchen Stellen greift Chaix das Religiöse dieser Musik auf, lässt die Tänzer fast andächtig verharren, spielt in den (sehr akrobatischen) Hebefiguren auf eine Pietá an. Meist aber scheint die trotz dieser Einschränkung durchgehend fesselnde Choreographie gegen die wuchtig-erdenschwere Musik anzukämpfen.

Auch Antoine Jully ist Tänzer der Compagnie, mit Inside als Teil des Ballettabends b.12 ist er dem Düsseldorf-Duisburger Publikum auch schon als Choreograph bekannt. Zu Strawinskys neoklassizistischem Konzert Dumbarton Oaks sieht man zunächst vier Paare, die ganz neoklassizistisch zu tanzen beginnen, auch auf Spitze – wobei einem schnell der Atem stockt, wenn Schritte daneben gehen, sogar Stürze eingebaut sind. Mit viel Humor und Lust an parodistischen Momenten spielt Jully mit der Tradition, lässt die Tänzer dabei immer wieder wie Puppen agieren. Tragen die vier Paare zunächst hautenge Trikots und zeigen viel Bein, so betritt bald eine weitere Tänzerin mit langem, schwarzen Rock die Bühne, agiert im Gestus einer bösen Fee oder Königin – und nach und nach werden alle, auch die Herren, einen solchen Rock anziehen. Rebound – topple – flash (der Titel bezieht sich auf drei Bewegungsmuster) kann man auch wie ein Handlungsballett mit unbekannter Handlung auffassen, ein brillantes und sehr unterhaltsames, dabei keineswegs zu leichtes Spiel nicht nur mit der musikalischen Form, sondern auch mit der Ballett-Tradition.

Crop

Das lässigste, freieste, am stärksten zum Tanztheater tendierende Stück des Abends ist Crops von Amanda Miller. Die fast leere Bühne ist nur im mittleren Bereich ausgeleuchtet, Seiten und Rückwand verlieren sich in Dunkelheit. Die Eulenrufe, die Bühnenbildner Seth Tillett aufgenommen und an mehreren Stellen über die Musik (Allegory für Streichquartett des 1947 geborenen Amerikaners Fred Frith) gelegt hat, und einige Würfel mit Blumenmotiven lassen einen nächtlichen Garten assoziieren. Die Kostüme (ebenfalls von Amanda Miller) der insgesamt 19 Tänzerinnen und Tänzer könnte man im weiteren Sinne als „bequeme Freizeitkleidung“ bezeichnen – hippig geschnittene Röcke und Kleider für die Damen, weite Hosen für die Herren. Nicht immer sind alle aktiv, immer wieder setzen sich manche an den Rand und beobachten das mitunter improvisatorisch ungeordnete Treiben. Zwischendurch setzen sich einige in Mediationshaltung auf den Boden, gelegentlich hört man auch Lachen und Gemurmel – das erinnert ein wenig an ein Hippie-Treff in einer warmen Nacht, ohne freilich konkret zu werden. Amanda Miller hält das durchaus in der Schwebe zwischen Tanz (zwischendurch gibt es mitten im Geschehen so etwas wie einen fast klassisch anmutenden pas de deux) und einem freieren Theater mit eigenen Regeln und pantomimischen Elementen. Ganz bannen kann sie die Gefahr einer allzu großen Beliebigkeit allerdings nicht. Crops ist daher auch das schwächste Stück des Abends.

Und dann wird noch einmal richtig getanzt. Inclination von Regina van Berkel beginnt mit einem übermütigen pas de deux eines Liebespaars , ganz vorne an der Rampe. Dann ein weiterer für zwei Tänzer, wobei es weniger um Liebe geht, mehr ein Abtasten, Erinnern, mit einer gewissen würdevollen Distanz. Mit drei Tänzerinnen und vier Tänzern ist das Ensemble sehr kompakt, die Choreographie konzentriert. Als Musik verwendet die Choreographin das Streichquartett Nr.4 des amerikanischen Komponisten Alan Hovhaness (1911 – 2000), komponiert im Jahr 1970 und mit dem Untertitel The ancient tree versehen – ein vom Blitz getroffener Ahorn inspirierte den Komponisten zu dem tonalen und fest im 19. Jahrhundert verwurzelten Werk. Dieses, gelinde gesagt, wenig avantgardistische musikalische Programm greifen van Berkel und Bühnenbildner Dietmar Janeck nicht nur mit dem beschriebenen „erzählenden“ Beginn auf, sondern mit einer großformatigen Drahtskulptur, die schwerelos den Baum nachzuzeichnen scheint und raffiniert ausgeleuchtet ein Ereignis für sich ist (und noch dazu bildnerisch den Spannungsbogen zur Raumgestaltung von We were right there!! schlägt. Weil die Beleuchtungsbrücke in der Höhe verschoben wird, wandern die zarten Schatten über die Bühne und geben der Szenerie etwas Flüchtiges. Auch hier ist die Bühne schwarz, das Licht kühl weiß – auch eine Nachtstimmung, wenn auch weniger konkret, dafür freundlicher als bei Crops.

Die (mit einer Ausnahme) ärmellosen Seidentrikots der Tänzerinnen und Tänzer sind mit Rokoko-artigen Ornamenten verziert und maßvoll bunt (die Choreographin selbst hat die Kostüme entworfen), und die rhythmisch klar strukturierte Musik schlägt sich choreographisch in einem beschwingten Kehraus nieder. So ist Inclination ein Werk passend zum Frühling, der am Tag dieser (zweiten) Aufführung in Düsseldorf Einzug hielt: Ein doch sehr dynamischer und durchaus fröhklicher Abschluss für b.15.

FAZIT

Es gehört zu den Aufgaben eines funktionierenden Ballettbetriebs, jungen Choreographen und insbesondere auch Tänzerinnen und Tänzern der eigenen Compagnie die Möglichkeit zu geben, eigene Arbeiten zu entwickeln – hier ist das ganz hervorragend gelungen. Vier Uraufführungen und ein etabliertes Meisterwerk fügen sich zu einem faszinierenden Tanzabend zusammen.

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